手與心距離十萬公里

《Spring, Summer, Fall, Winter... and Spring》在描寫來自慾望的執念時，是使用了很多的時間和季節變幻上的比喻，使的整部電影充滿淡淡的滄桑和恬淡，雖然故事裡所經歷的時間很久了，但卻不會感到真的有如此漫長，可以說像首悠久而輕盈的詩歌，與《Pi》一比較就可以看出兩者在時間感塑造上的差異，《Pi》是把男主角的混亂、思索、折磨和焦慮的過程放大，同樣的時間進行，《Pi》可能感覺會過的比較久，像是首充滿雜音與躁鬱噪音的狂亂樂音。

Lars Von Trier  2003年的作品，赤裸的過頭的人性暴露可以說是我對這部片的最大感受，將這部片主要的對立者，Grace 和Dogville村民的心態行為轉變及衝突以帶點童話氣息(因為旁白)又冷硬直接呈現出來。

出自於捷克名導演Jan Svankmajer的作品，全片沒有任何一句對白，完全是演員的表情與肢體表演，以及帶有懸疑、瘋狂、荒謬和超現實的氛圍與偶動畫效果兩者融合的奇詭電影。

電影是以偽紀錄片的形式進行，故事描述一位名叫Frankie Wilde的知名當紅頂尖DJ，如何從意氣風發的事業巔峰，遭遇到創作音樂最大的災難與挫折，再重新站起的過程，就劇情的進行似乎是中規中矩的芭樂勵志電影，但經由對主角(Paul Kaye  飾演)性格上具細膩度與立體感的真實描寫與詮釋，觀賞起來具有從真實生命與生活釋放出的感動與力道。

勵志主題的電影其實真的不少，《It's All Gone Pete Tong》打動人的地方便在於呈現了無太多掩飾與美感修飾的真實生活感，一點一滴細膩的堆疊出由男主角心理深層為一切出發點的情緒以及所有的行為與抉擇，觀眾不只是在看命運給了男主角什麼困難和被動的期待男主角會怎麼做而已，而是自然而然跟著男主角一起感受無法挽回的殘酷與生命的希望和感動。

《Naked Lunch》原作小說為「Beat Generation垮世代」文學的經典代表作，式影響當代藝術思想十分重要的作品，而電影版的詮釋則交由大師David Cronenberg大衛柯能堡，David Cronenberg使用了他電影裡獨有的黏膩肉感的軟硬元素，以及直接殘酷的逼真夢境，呈現了使人感到極度真實、迷失、混亂、失控與詭異幽默的世界。

片中描述一名從事殺蟲業的商人，從不知何時進入了有關於寫作、藥物與夢境的世界開始，觀眾就經歷了跟主角一起迷失的過程，David Cronenberg使用了大量生物異變的意象去傳達類似某種欲望的形體與質感，就如裡面的昆蟲形體，剝開了外在的硬殼，裡面就是欲望的溫床，慾望的實體化被呈現的柔軟、濕黏、醜陋，但就如對性愛的著迷一樣，慾望的面貌就是如此的明知下流與骯髒但卻又使人百分之百的迷戀與沉浸。打字機也是片中十分令人印象深刻的元素，似乎是種關於寫作的隱喻，寫作在電影裡似乎是某種對於深層慾望的挖掘與爭鬥，使用打字機的過程與方式，被詮釋的有如對藥物的上癮與對肉體的愛撫一般，也因為如此，David Cronenberg所呈現的《Naked Lunch》似乎有某種程度的泛性論成分，經由藥物的帶領所到達的慾望終點就是某種以性的形式的享受與沉迷，但不等同於

科幻從開始到現在，無論是影像、聲音和文字創作，晦澀難解或是令人捧腹大笑，大致來說都帶給觀眾兩種思考的刺激，「要我們思考些什麼」、「能帶領我們的想像到什麼境地」！而將2001: A Space Odyssey & The Hitchhiker's Guide to the Galaxy放在一起來聊科幻電影也是非常有意思！

2001: A Space Odyssey的經典地位已是眾所週知，片中奠定了科幻電影獨特的影像、聲音與音樂美學，以及敘述出超越與遠離人類認知的空間與感官思考格局，The Hitchhiker's Guide to the Galaxy雖然電影是較近年發表，但原作本身也是有一定的歷史厚度。

科幻題材除了探討對於科技發展的無限想像，最主要的精神還是藉由人類科技的發展，切入關於生命形式、道德界線等議題，對我來說，真正的科幻本質的作品不但無關娛樂，更是注重思考性與社會體制下的正反辯證。

這部1983年的劃時代經典影響了後來科幻片的敘述方式與美學，但無疑已難以超越。電影劇情講述2019年複製人科技發達，甚至能比人類各方面優秀，但複製人在人類世界是處在如奴隸般的地位，而且到了一定的生存期限便要被迫退役。先不論複製人在形式上的特質，其實在本質上與Mary Shelley的Frankenstein(科學怪人)有著同樣出發點的探討，當「人類以自身的型態為範本，在已非自然的方式在造」這項行為成真時，會帶給人類自身什麼樣的影響或是災難？而「人造人」或是「複製人」也引發了對於自身身分與生命形式的歧視或是認同問題。銀翼殺手裡的複製人因為人類自己的需求而被造的十分優秀，幾乎是比人類自己還更完美，而片中檢視要被認同為人類的標準便是瞳孔與心理測驗，在人類以自己的觀點去檢視複製人的生命形式時，也突顯了人類的自私與矛盾，複製人的創造並非自己所願，一切都源自於人類的私慾而產生的，也許是害怕主導地位的失去，或是被取代的恐懼，因而有了強制複製人生命期限的殘暴規範。

愛情似乎是轉動人類社會的最大動力，無論經過了多久，我們還是用了各種方式尋找愛情、歌頌愛情及詮釋愛情！王牌冤家骨子裡敘述的絕對不是多另類或是前衛的愛情觀點，但巧妙的利用了科幻概念為引導，帶著觀眾奔馳於驚人的心靈空間之旅，到了最後讓觀眾在次體會到了那甜美、苦澀又來來去去的深刻感情，過程富新意與創意，讓那古老不變的愛情真理有了新的感動和體驗！

在觀賞這部奇特的作品之前，有必要對兩位主要人物背景有初步的了解會更好，這部片似乎是介於實驗、紀錄和純創作之中曖昧界線的奇作。片裡主要貫穿全場的是兩位導演的一場實驗計畫，拉斯馮提爾(Lars von Trier)與約根萊斯(Jørgen Leth)兩位導演合作進行，計畫的一開始是從約根萊斯在1967的實驗代表作《完美人類》為主體，由拉斯馮提爾設下重重限制，再由約根萊斯自己再度重新詮釋自己的作品。

在好萊塢以強大的娛樂商業性抓住了全世界大部分的目光時，總是有些人期待拍些和好萊塢不同的電影，不一定要炫麗昂貴的特效、俊男美女當主角或是知名獎項加持，也許不一定能討好所有的人，但因為這些有創意和熱情的創作者我們才能不會被公式化的商業片淹沒掉，且不時提醒我們有些被遺忘或是沒想到的東西被創作出來。

劇裡描述一間老舊的錄影帶店裡的有趣故事，三個主要腳色為錄影帶店的老店長 費先生、錄影帶店的員工 麥可、麥可的瘋狂好友 傑瑞，而兩個人在費先生離開店裡一段時間之時，不小心把店裡的錄影帶全部消磁了，為了應付店裡的危機，兩人異想天開地自己翻拍了各大經典之作，故事的精華與理念便在這些過程呈現出來。

當某種類型的題材已有部部經典自成公式之後，最難的一件事始終製造出新的詮釋方式與驚奇，科幻題材的核心始終與人性辨證難分難捨，幾乎沒有一部是例外，而要成為經典或是令人印象深刻的作品，提出新穎的視野觀點是不可或缺的，而且也能與當下生活層面引起關聯與共鳴！

劇情敘述主角(Tom Cruise)是名汽車商人，因為父親去世又面臨財務困難，在追究遺產的時候發現自己還有一個哥哥(Dustin Hoffman)的存在，為了得到一半的遺產而擅自將在療養院的自閉症哥哥帶走，故事的主軸便從這裡開始！

就以往以殺手為號召的電影來說，總有些固定模式，主角冷酷寡言、重視榮譽與個人原則，但以這部電影來說，不但讓主角的個性與作為與以往的殺手(主角式、英雄式)不同，也用了直接犀利的言語挑起了各種議題的價值觀偏差！

相較於其他男性的變裝英雄，兩代靈絲在電影裡不免的還是處於較為稍微弱勢的地位(兩種層面的弱勢，電影與劇情本身)，從電影的蒙太奇片頭中，可以看到第一代的靈絲身旁圍繞著警察以及鎂光燈下，姣好的外表與英雄身分讓她有名有利，但若仔細觀察第一代靈絲身旁的警察似乎有幾個在窺視其身材，就算女方身為媒體寵兒又是英雄人物，男性對女性的歧視心態仍然表露無遺。兩代靈絲在電影裡的特性大多是帶出了女性心理，及較偏為被安排的被動地位性質，和愛情部分的表現，沒有像其他變裝英雄牽涉出較為嚴肅與深刻的議題，但若以腳色本身與其他英雄的糾葛程度來說，第二代靈絲會是背景最複雜的腳色。從兩代靈絲身上可以看出女性在因為家庭親情的因素而對於工作的影響情形，從片頭的一幕，懷孕的第一代靈絲站在餐桌中央，整個畫面佈局是名畫「最後的晚餐」的場面，從這個畫面就有很多暗示家庭會是阻擾女變裝英雄職業的訊息，「最後的晚餐」從字面上的意思可以解釋成第一代靈絲懷孕的開始將是變裝英雄們分崩離析的徵兆，而其他英雄們交頭接耳著，也跟原畫門徒們在耶穌身旁各懷心思一樣，而第一代靈絲在雖然在戲份上相較於第二代少，但與笑匠的互動與複雜情感，以及晚年對於昔日英雄職業與生活的心態轉變，唯一的女性英雄從風光到晚年的無力之過程反而更比其他英雄腳色顯的更生活化和完整，如果要從電影裡舉出哪位英雄腳色更能反映與呈現普羅大眾的生活面與情緒轉變，第一代靈絲是我覺得最具備的(僅次第一代靈絲的是夜梟)。

2009全世界都為Micheal Jackson過世震驚或是心碎，Micheal Jackson的過世不只是一位劃時代巨星的離開而已，也是一個人類文化世代更迭與交替的象徵，音樂與文化本來就是瞬息萬變與一浪接一浪的重複現象，但有些人的成就與天份確實是豐富的很多人的心靈與想像力，如果我們這一代的人都能夠欣賞Micheal Jackson的音樂，但很不難想像Micheal Jackson的出現與作品，對於80年代至90年代的樂迷們是多麼獨一無二、不可取代！

這裡指的英雄絕非是讚許的意思，只是以這部電影變裝英雄的一個腳色(或是職業)的稱謂，夜梟的個性與作變裝英雄的動機算是所有腳色裡最單純也最天真的，相較與其他個性較為極端的變裝英雄(靈絲除外)，夜梟的作用幾乎可以說是作為呈現中年危機男人的心境的腳色，對於愛慕女性所表現出的羞澀與幻想，以及喪失了自豪職業(變裝英雄)而顯得懦弱沒安全感，甚至要在換上英雄裝扮以及在其專屬交通工具上，才能發揮出衝勁，以及擺脫陣前退縮(作愛)的時刻。

其實夜梟是十分受旁人影響的英雄，在電影很多的橋段就算自己不是很願意到頭來也只能勉強自己接受，這種中庸的個性可能跟夜梟的成長背景有關吧！對於神話有興趣，因為父母的遺產而不用憂慮生活的問題，有錢又有時間才能完成自己變裝英雄的夢想，因此維護正義的動機和同樣篤信正義的羅夏就顯的幼稚天真了許多，也沒有羅夏來的堅定不移，夜梟的英雄面變成只是逃避凡人生活的枯燥懦弱的慰藉，就像是藥上癮了難以擺脫，所以最後夜梟還是選擇不顧法律再次換上英雄裝扮，不是因為勇氣，而是忍不住再次服用「英雄」這個壯陽藥希望再次重振男性雄風。

身為電影裡唯一的旁白腳色，觀眾很多份量接收到了羅夏看待事情的觀點與思維，雖然羅夏在電影裡手下不留情近乎冷酷，但一針見血又冷酷的睿智言語似乎也讓人覺得羅夏絕非單純的暴徒私刑者。

臉與面具

在電影裡蘇美冷戰之時，如果說蘇聯的武器是數量龐大的核彈，那美國倚靠的除了自身的國防之外，最大的武器便是曼哈頓博士了，曼哈頓博士雖然是美國變裝英雄的一份子，也是唯一有超能力的，但他主宰一切物質的能力似乎也造成了自身無法真正關切人類世界一切的疏離心態。

曼哈頓博士在電影裡不只是能控制一切物理本質事物的能力的「人」，應該算是等同與物理本質「本身」了，在電影裡對於生命價值的論調，是種以百分之百物理科學角度看待產生的結果，但可能慢哈頓博士還保留了百分之ㄧ與人性的連結

因為為政府工作最久，對於國家糖衣底下的殘酷與無助是看的最早及最透徹的一個人，也因此是所有英雄裡對於人性失望的最徹底的一個，導致其在言行舉止上只順從自己的欲望，讓笑匠似乎和其他的變裝英雄險的格格不入，也是種悲觀論調的作法吧，其他的變裝英雄在笑匠眼裡也只是天真的執行所謂打擊犯罪的使命而已。無料笑匠終究只是一般人，雖然有勇氣順應自己的殘暴與欲望，到了老年時，回憶起壯年時所做的種種暴行，以及到頭來孤苦無依的生活，還是使得自身難以承受，懦弱與侵略的人性矛盾便體現在笑匠身上。笑匠的笑臉標誌對照其自己的一生也顯得諷刺又無奈，在笑匠眼裡高喊自由正義的美國其實跟其他國家沒什不同吧！同樣也是要以強大武力來制衡其他敵人，而勝利帶來的就是有能力為所欲為而已，就如笑匠口中的「美國夢」，當笑匠覺得自己的一生與工作是大笑話時，是否有暗喻著自己所效忠的國家也亦同呢？

前言

牽涉議題範圍廣大的史詩電影，從美國的歷史、文化、政治等大角度切入，深入到美蘇冷戰時期高壓緊張氣氛底下，人性心理的描述與挖掘，也帶出濃厚的存在主義、虛無主義哲學色彩。在美國的經濟、娛樂、文化、國防及科技等方面穩居世界強國時，對美國資本主義及英雄主義(藉由媒體與娛樂產業塑造)底下的反思、真實、批判應為這部電影(原作沒讀過，所以談電影為主)的核心。